Trent'anni del Quatuor Mosaiques...

Quatuor Mosaïques

Chiedete a qualsiasi amante della musica da camera quali registrazioni della loro collezione siano le più apprezzate, e sono sicuro che quelle del Quatuor Mosaïques verranno sempre menzionate nella loro rosa dei candidati. A partire dal loro pluripremiato Haydn op. 20 quartetti (1990) - che hanno davvero dato al mondo un segnale dell'importanza di queste opere - fino all'ultimo dell'op. 76, quali interpretazioni ritenute di riferimento non solo per le esecuzioni d'epoca dei quartetti di Haydn ma per tutte le esecuzioni di questi quartetti. Ogni registrazione è davvero un gioiello, combinando erudizione, fraseggio e dinamica squisiti e notevole profondità, bellezza e intuizione. E quello che pensiamo adesso di queste registrazioni non è diminuito rispetto a quello che pensavamo allora. Ma l’esaltante sequenza di registrazioni non si è fermata qui. I loro "Quartetti Haydn" di Mozart erano altrettanto avvincenti. E chiunque abbia ascoltato "La morte e la fanciulla" di Schubert sia dal vivo che in registrazione sa quanto sia avvincente, vera e completa quell'esperienza. Successivamente siamo passati al Beethoven op. 18 quartetti, e nonostante pensassimo di averli ascoltati tutti, i Mosaïques trovano una bellezza e uno spazio rivelatori che ce li fanno rivivere. Ci sono due cose interessanti in tutte queste registrazioni. In primo luogo, la forza interpretativa e la sensibilità dell'ensemble hanno reso le esecuzioni convincenti, eseguite o meno su strumenti d'epoca. In secondo luogo, la varietà di timbri unici prodotti e l’assoluta chiarezza nel modo in cui le singole voci interagivano hanno effettivamente fornito un’idea di ciò che l’esecuzione del periodo – e l’articolazione delle corde di budello in particolare – poteva raggiungere.

Una cosa è che un ensemble sia modesto e schivo, ma il fatto è che, formato nel 1985, il Mosaïques Quartet si avvicina ora al suo trentesimo anniversario. Continuano ad esibirsi in tutto il mondo, spesso nei luoghi e nei festival più prestigiosi. Non riesco a pensare ad un ensemble da camera in stile d'epoca che abbia avuto più longevità, e ora stanno entrando nella gamma dei quartetti veramente longevi in ​​generale. A mio parere, ci sono pochi quartetti d’archi dell’ultima metà del secolo che potrebbero essere considerati più pionieristici e influenti dei Mosaïques. Naturalmente sia il violinista Erich Hobarth che il violoncellista Christophe Coin hanno ricoperto contemporaneamente molti incarichi diversi. Entrambi hanno diretto e, ad un certo punto, hanno fatto qualche progresso nei trii di Haydn, registrando con il pianista Patrick Cohen.

Lo scopo di questa intervista è semplicemente quello di incontrare questo grande ensemble mentre si avvicinano a tre decenni di impegno artistico e vedere quali sono le loro prospettive sul proprio passato e futuro, e sullo sviluppo di performance storicamente informate. L'ensemble aveva appena tenuto un delizioso concerto a Vancouver con Haydn, op. 103, Mozart, K. 421 e il terzo quartetto di Schumann, seguiti dall'affascinante trascrizione di brani tratti dai Kinderszenen di Christophe Coin come bis. Ho avuto la fortuna di potermi incontrare brevemente con tutti i membri dell'ensemble; Erich Höbarth e Christophe Coin sono stati i portavoce.

Tre membri del vostro quartetto sono viennesi (Erich Höbarth, Andea Bischof e Anita Mitterer, ndr) e tutti incontratisi nel Concentus Musicus di Nikolaus Harnoncourt a Vienna. In che misura  pensate che il vostro stile interpretativo rifletta ancora la tradizione musicale di questa città?

Erich Höbarth: Non credo che siamo stati influenzati molto dall'ambiente circostante o, ad esempio, dagli archi che suonavano nella Filarmonica in particolare. La mia influenza principale è stata quella del mio insegnante, Sandor Vegh, un violinista con uno stile davvero unico e una personalità meravigliosa. Ha insegnato e incoraggiato un'intera generazione di musicisti e sono stato molto fortunato a far parte del Vegh Quartet negli ultimi tre anni della sua esistenza.

Christophe Coin : Abbiamo sicuramente ereditato la grande tradizione del quartetto d'archi europeo e il suo focus. Ma penso che dalla nostra idea originale di Mosaïques Ensemble, stessimo cercando qualcosa di molto specifico dal punto di vista artistico. In un mosaico ogni dettaglio appare brillantemente pensato, ma l'occhio è anche capace di cogliere l'immagine nel suo insieme. Con la musica è lo stesso: bisogna lavorare sui dettagli, bisogna creare le migliori condizioni di ascolto possibili, e poi ottenere la giusta distanza in modo che l'ascoltatore possa vedere tutti i singoli elementi e l'intera opera d'arte allo stesso tempo. contemporaneamente. Credevamo che suonare con le corde di budello potesse avvicinarci al raggiungimento di questo obiettivo.

Quanto repertorio per quartetto d'archi intendete frequentare?

Erich Höbarth:  Abbiamo sempre mirato ad essere al centro del repertorio dei quartetti d'archi: Haydn, Mozart, Beethoven e Schubert. Tutto ruota attorno a questi quattro compositori. Ma alla fine ci siamo resi conto che il repertorio del quartetto di questo periodo è così vasto che correvamo il rischio di ignorare gran parte della buona musica che non viene più suonata. Ci siamo quindi concentrati anche sulla scoperta di compositori "sconosciuti" fino al primo periodo romantico, come Arriaga, Werner, Jadin, Gross e Boëly. Abbiamo suonato anche molti compositori romantici, Mendelssohn e Schumann, per esempio. Non volevamo davvero andare oltre il tempo in cui le corde di budello non erano più comuni.

Avete mai frequentato altri repertori, opere più moderne?

Erich Höbarth: Sì, abbiamo eseguito i primi due quartetti d'archi di Bartok, il quartetto di Debussy e un breve brano di Webern.

Ammetterete che c'è ancora qualche ambiguità sul significato di interpretazione "autentica". Si tratta semplicemente dell'utilizzo di corde di budello o si va cercando di ricreare il tipo di performance che potrebbe essere realmente avvenuto al tempo? Per esempio, oggi avete suonato un quartetto di Schumann: è questo il modo in cui avrebbe suonato negli anni '40 dell'800?

Christophe Coin: Nonostante tutte le ricerche che si potrebbero fare, è ancora molto difficile scoprire come suonavano i musicisti in quel periodo. Le tecniche dei virtuosi del XIX secolo erano più estreme rispetto a quelle del secolo precedente, quindi probabilmente troverai diverse scuole (una delle quali è quella di Viotti) che vanno in direzioni molto diverse. Nella Lipsia di Schumann coesisterebbero quindi interpretazioni molto diverse, proprio come se ne trovano ai nostri giorni. Tuttavia, penso che molti ensemble potrebbero condividere il suono profondo e scuro che è stato la tradizione delle orchestre di Lipsia fino ai giorni nostri.

Lo stesso vale per le tecniche strumentali?

Christophe Coin: Ho anche studiato un po' le tecniche del violoncello di quel periodo e vi si trovano le stesse differenze. Ogni violoncellista aveva diteggiature, tecniche e abitudini particolari, quindi è impossibile dire che uno stile tecnico fosse "lo" stile di quel tempo.

Forse la concezione di "autentico" riguarda anche il modo di ascoltare?

Erich Höbarth: Sì, molto viene dal cuore. Cosa dice veramente la musica? Come dovresti esprimerlo? Da questo punto di vista, è del tutto possibile per un giovane ensemble moderno suonare un quartetto di Haydn in modo "autentico", nel senso che esprimono fedelmente tutti i sentimenti naturali presenti nell'opera. Per essere onesti, ci sono state molte ottime esibizioni di quartetto da parte di ensemble che non hanno pretesa di essere storicamente informati. Sono diversi dai nostri ma altrettanto degni di noi. Non possiamo dire assolutamente “sappiamo come va”.

Avendo partecipato a un quartetto storicamente informato fin dalla sua nascita, come pensi che si sia sviluppata la tradizione?

Erich Höbarth: Beh, ci sono alcuni nuovi quartetti adesso, ma ancora non così tanti. Subito dopo l'inizio c'era il Salomon Quartet; anche il Quartetto della Library of Congress utilizzava uno stile molto antico. Ma in realtà non ne sono seguiti molti e pochi sono molto visibili. Ciò di cui siamo orgogliosi è che il nostro modo di suonare ha influenzato le interpretazioni di molti quartetti più giovani, anche quelli che non erano impegnati in esecuzioni d'epoca. Lo vediamo, ad esempio, nel fatto che oggi molti ensemble suonano il minuetto di un quartetto di Haydn.

Pensi che la tua interpretazione delle opere principali sia cambiata molto nel tempo?

Erich Höbarth: Non penso che sia la stessa cosa, assolutamente no. Ma è difficile descrivere da soli il grado in cui le cose sono cambiate. Tutti si sviluppano nel tempo: non c'è sosta nella vita. Non sono la stessa persona di dieci anni fa, e nemmeno gli altri. Quindi, le nostre reazioni reciproche durante la performance sono probabilmente cambiate in modo sottile. Ma sei tu, è il pubblico, che probabilmente può giudicare il risultato finale meglio di noi. 

Ti piacerebbe ri-registrare qualcuno dei lavori fatti in precedenza?

Christophe Coin: No, non penso che nessuno di noi abbia il tempo o il lusso di ri-registrare. Viviamo in un'epoca diversa adesso e semplicemente non è possibile avere un programma di registrazione come quello che avevamo una volta. Il mercato non è abbastanza sano e non sono molte le persone che potrebbero essere interessate a una nuova serie integrale di quartetti di Haydn, per esempio.

Quindi, quali sono le grandi cose per il futuro?

Erich Höbarth: Saremo felici di registrare altro Beethoven. Finora abbiamo registrato solamente i quartetti dell'op. 18. Adesso vogliamo concentrarci sugli ultimi quartetti. E vogliamo continuare a scoprire nuovi compositori che nessuno suona. Hai mai sentito parlare del quartetto d'archi di Charles Gounod?

© Geoffrey Newman 2014

(translation: google & HvT)